No dia 27 de Novembro, pelas 18h30, no Teatro da Trindade, a romancista Lídia Jorge vai estar com Cucha Carvalheiro, Paulo Roberto Nóbrega Serra e António Carlos Cortez para analisar o processo de transposição do romance "Dia dos Prodígios" para o teatro. A sessão repete-se no dia 3 de Novembro, pelas 15h00, desta vez apenas com Cucha Carvalheiro.

Nas palavras da organização, as duas sessões destinam-se a "dramaturgos, dramaturgistas, estudantes de dramaturgia, literatura e público em geral, interessados em conhecer os processos de criação do espectáculo."

Pode contactar a bilheteira pelo telefone 213420000 ou bilheteira.trindade@inatel.pt

DATAS
4 a 15 de Outubro de 2010

HORÁRIO
19:00-21:00 horas

HORAS
Total: 22 horas

LOCAL
Teatro da Trindade, Lisboa.

VAGAS
30 participantes.
(mínimo 10 )

OBJECTIVOS
Introduzir e/ou reforçar as competências dos formandos sobre as várias etapas do processo de escrita de peças de teatro de curta duração, desde o desenvolvimento da ideia e caracterização das personagens, à adequação da estrutura do texto dramático ao enredo, à manipulação do Tempo, Espaço e Causalidade e à adequação dos diálogos às personagens e à atmosfera da peça.

METODOLOGIA
Propõe-se a análise e a discussão das metodologias de escrita das 9 peças de 10 minutos usadas por 9 autores do espectáculo ABSURDOS CONTEMPORÂNEOS. Para tal, os participantes terão sessões de 2 horas com cada autor, e assistirão a duas sessões do espectáculos nos dois últimos dias da oficina (14 e 15 de Outubro), de modo a avaliarem o processo de criação deste singular espectáculo teatral, desde a escrita das peças à proposta final apresentada ao espectador. Após os espectáculos, a encenadora Teresa Sobral, o músico Eduardo Raon, o cenógrafo Stiga e os actores do elenco dos ABSURDOS CONTEMPORÂNEOS estarão disponíveis durante 1 hora para discutir as abordagens que fizeram às várias peças.

O autor Virgílio Almeida, associado da Qatrelcolectivo, funcionará como facilitador do processo de ensino/aprendizagem e de elo de ligação entre as várias sessões.

FORMADORES
Nove autores dos ABSURDOS CONTEMPORÂNEOS: Abel Neves, Ana Paula Gonçalves, Carlos Gomes, Carlota Gonçalves, Hélia Correia, Jacinto Lucas Pires, Miguel Castro Caldas, Ondjaki e Virgílio Almeida.

CONVIDADOS
A encenadora Teresa Sobral; os actores Carla Bolito, Carlos António, Dora Bernardo, Ivo Alexandre e João Saboga; o músico Eduardo Raon e o cenógrafo Stiga.

ADMISSÃO
Dramaturgos, estudantes universitários, profissionais das artes performativas e de áreas artísticas afins, e pessoas interessadas em desenvolver projectos na área da escrita teatral.

CERTIFICAÇÃO
Os participantes receberão um certificado de participação emitido pela Qatrelcolectivo, Associação Cultural.

INSCRIÇÃO
Os interessados, poderão fazer uma pré-inscrição telefónica através dos seguintes números telefónicos:
933471352 ou 918636908 (Qatrelcolectivo)
e deverão fazer o pagamento da oficina na bilheteira do Teatro da Trindade.

PREÇO
Geral: 90 €
Estudantes: 70 €
Sócios da Fundação INATEL: 54€

INFORMAÇÕES ADICIONAIS
TM: 933471352 ou 918636908 (Qatrelcolectivo) ou 927982834 (Teatro da Trindade)
producao.qatrel@gmail.com
http://sites.google.com/site/qatrel/Home
jpnogueira@inatel.pt

SOBRE OS FORMADORES:
Abel Neves
Dramaturgo, poeta e romancista, com vasta obra publicada em Portugal e colaborações no estrangeiro. Para teatro escreveu: AMADIS; TOURO; TERRA; AMO-TE; ATLÂNTICO, FINISTERRAE; ARBOR MATER; LOBO-WOLF; EL GRINGO; INTER-RAIL; ALÉM AS ESTRELAS SÃO A NOSSA CASA; SUPERNOVA; FÉNIX E KOTA-KOTA; A CAMINHO DO OESTE; AMOR-PERFEITO; OLHANDO O CÉU ESTOU EM TODOS OS SÉCULOS; ESTE OESTE ÉDEN; PROVAVELMENTE UMA PESSOA; NUNCA ESTIVE EM BAGDAD; MADRESSILVA; QARIBÓ; UBELHAS-MUTANTES E TRANSUMANTES; VULCÃO; QUERIDO CHE; O PARAÍSO À ESPERA. É também autor de ALGURES entre a resposta e a interrogação, reflexões em volta do teatro.

Carlos Gomes | Ana Paula Gonçalves | Carlota Gonçalves
An.Carl-Go – grupo de trabalho constituído por Carlos Gomes, Ana Paula Gonçalves e Carlota Gonçalves, vocacionado para a escrita de textos dramáticos/teatrais e argumentos para cinema e televisão. No âmbito de desenvolvimento de novas dramaturgias, destacam-se: ESCADAS TORTAS SEM CORRIMÃO, 2001 (apoiado no concurso a projectos de actividade teatral de carácter profissional, IPAE, 2000); CLUBE DE GELO, 2002 (apoiado no concurso a projectos de actividade teatral de carácter profissional, IPAE, 2001); PESQUISA AMOK, 2003 (acolhido pelo Centro de Artes de Lisboa); CATARATAS, 2005-09 e CLANDESTINOS, 2007-09.

Hélia Correia
Licenciada em Filologia Românica. Professora de Português do Ensino Secundário. É como ficcionista que é reconhecida como uma das revelações da literatura portuguesa da geração de 80. A novela MONTEDEMO, encenada pelo Bando, dá-lhe notoriedade. Destaque ainda para os romances CASA ETERNA E SOMA e, na poesia, O SEPARAR DAS ÁGUAS, O NÚMERO DOS VIVOS e A PEQUENA MORTE/ESSE ETERNO CONTO. Para teatro escreveu PERDIÇÃO, levada à cena pela Comuna (1993) e FLORBELA (1991) encenada pelo Maizum. Recebeu em 2002 o prémio PEN 2001, atribuído a obras de ficção, pela sua obra LILLIAS FRASER.

Jacinto Lucas Pires
Estudou Direito na Universidade Católica de Lisboa e Cinema na New York Film Academy. Trabalha como dramaturgo e cineasta. Em Portugal, as suas peças foram encenadas por Manuel Wiborg, Ricardo Pais, Marcos Barbosa e João Brites.Está traduzido em francês, espanhol, inglês, norueguês, alemão, italiano e búlgaro. SILENCIADOR, a sua última peça, virá à Culturgest, em Junho 2010, encenada por Marcos Barbosa. Escreveu e realizou duas curtas-metragens: CINEMAAMOR (1999) – Prémio Cine-clube no Festival de Cinema Luso-Brasileiro de Santa Maria da Feira – e B.D. (2004). Escreve regularmente em jornais e revistas; tem uma crónica sobre futebol no JORNAL DE NOTÍCIAS e um blogue: www.chanatas.blogspot.com.

Miguel Castro Caldas
Licenciado em Línguas e Literaturas Modernas. Escreveu QUERES CRESCER E DEPOIS NÃO CABES NA BANHEIRA, AS SETE ILHAS DE LISBOA, A MONTANHA TAMBÉM QUEM, O HOMEM DO PÉ DIREITO, O HOMEM DA PICARETA, NUNCA TERRA, JAVAS, É BOM BOIAR NA BANHEIRA, LEVANTAR A MESA, COMIDA, E AGORA BAIXOU O SOL, CASAS, REPARTIÇÃO, A MORTE TEM DE VIR, ESTAMOS AQUI PORQUE NÃO PODEMOS VOLTAR e NÓS NUMA CORDA. Traduziu Ali Smith, Harold Pinter, Reinaldo Arenas, Samuel Beckett e Senel Paz.Trabalhou com Bruno Bravo, Cristina Carvalhal, Franzisca Aarflot, Francisco Frazão, Gonçalo Amorim, Gonçalo Waddington, Jesper Halle, Jorge Silva Melo e Teresa Sobral. Está editado na editora Âmbar, Primeiros Sintomas e na colecção Livrinhos de Teatro dos Artistas Unidos/Cotovia. Recebeu uma Menção Honrosa pela Associação Portuguesa dos Críticos de Teatro pelo trabalho desenvolvido em 2005.

Ondjaki
Nasceu em Luanda, em 1977. Prosador e poeta. Também escreve para teatro e cinema e
co-realizou o documentário OXALÁ CRESÇAM PITANGAS – HISTÓRIAS DE LUANDA. Os seus livros estão traduzidos em 8 línguas. ACTU SANGUÍNEU (poesia); BOM DIA CAMARADAS (romance); MOMENTOS DE AQUI (contos); O ASSOBIADOR (novela); HÁ PRENDISAJENS COM O XÃO (poesia); QUANTAS MADRUGADAS TEM A NOITE (romance); YNARI: A MENINA DAS CINCO TRANÇAS (infantil); E SE AMANHÃ O MEDO (contos); OS DA MINHA RUA (estórias); AVÓDEZANOVE E O SEGREDO DO SOVIÉTICO (romance); O LEÃO E O COELHO SALTITÃO (infantil); MATERIAIS PARA A CONFECÇÃO DE UM ESPANADOR DE TRISTEZAS (poesia); OS VIVOS, O MORTO E O PEIXE-FRITO (teatro); O VOO DO GOLFINHO (infantil).

Virgílio Almeida
Para teatro escreveu B.B. BESTAS BESTIAIS, enc. José Neves; MENINO COSMOS, enc. Teresa Sobral; FUI ÀS COMPRAS, enc. Carlos Gomes e Carlota Gonçalves; NOS CABELOS DA LOUCURA, enc. Luís Castro; ELEFANTES NO JARDIM, enc. Teresa Sobral; FRANCISCO, enc. Paulo Ferreira. É autor dos argumentos de 11 filmes de animação, 3 séries e 2 especiais TV. Estes filmes foram seleccionados para 60 festivais onde receberam 42 prémios, 5 menções honrosas e 2 nomeações para o Cartoon d’Or (Melhor Curta-metragem de Animação Europeia) com A SUSPEITA, real. José Miguel Ribeiro e CÂNDIDO, real. Zepe. Tem 4 livros publicados e recebeu 3 prémios literários.

Organização: Teatro Art’Imagem

Quinta da Caverneira, Maia – 19h

Segunda-feira, 27 de Abril – Testa-de-Ferro, de Jorge Palinhos

Direcção: Valdemar Santos

Terça-feira, 28 de Abril - A Irrisão das Flores, de Rui Pina Coelho

Direcção: Sílvia Correia

Quarta-feira, 29 de Abril – Ida e Volta, de Tiago Rodrigues

Direcção: Ricardo Correia

Quinta-feira, 30 de Abril - Uma Carta a Cassandra, de Pedro Eiras

Direcção: Armando Pinho

Sexta-feira, 1 de Maio – A Minha Mulher, de José Maria Vieira Mendes

Direcção: Fernando Moreira

Índice: Revista#1

1. Pedro Marta Santos: ainda não somos uma profissão, somos uma perturbação neurótica
2. Nuno Markl: a comédia é um organismo vivo
3. Rui Vilhena: é preciso criar histórias com que as pessoas possam se identificar
4. António Ferreira: um guião é como uma lista de compras
5. Tiago Santos: como ganhar a vida numa profissão que não existe
6. Jorge Vaz Nande: devemos sempre olhar para a Nigéria
7. Perfil: Neil Labute – matem o dramaturgo
8. Dexter: o mundo ao contrário
9. My Blueberry Nights: o néon da paixão
10. Sex and the City: teorias e conspirações sobre a comédia romântica
11. The Servant: parasitas da alma

por Jorge Palinhos¹

Matem o dramaturgo

Um perfil de Neil Labute

Qualquer artigo sobre Neil LaBute sofre da recorrência de um campo semântico específico. Provocador, malévolo, “the meanest man in Hollywood”, “bad boy”, irreverente, politicamente incorrecto, etc., são palavras que surgem em quase todos os perfis, biografias, entrevistas ou referências a este dramaturgo, guionista, encenador e realizador norte-americano. Palavras que terão atingido o seu clímax justamente na primeira peça que levou ao palco: Filthy Talk for Troubled Times – em que um espectador abandonou a sala aos gritos de “Matem o dramaturgo”.E, contudo, as suas peças de teatro são encenadas em todo o mundo – como, recentemente A Gorda (Fat Pig) no Teatro Villaret – e Labute é frequentemente convidado para encenar as suas próprias peças por algumas das mais prestigiadas companhias americanas e inglesas, como a Steppenwolf Theatre Company, o Almeida Theatre, o MCC Theater e o Ambassador Theatre Group.

Foi como argumentista e realizador que saltou para a ribalta: a sua primeira obra cinematográfica, In the Company of Men, conquistou o galardão de melhor realizador do primeiro Festival de Sundance; a sua comédia Nurse Betty recebeu o prémio de melhor argumento e foi nomeado para a Palma de Ouro em Cannes, tendo a sua protagonista, Rennée Zellweger, recebido o Globo de Ouro de Melhor Interpretação. LaBute foi também responsável pela realização de Possessão, uma adaptação do romance homónimo de A.S. Byatt, com Aaron Eckhart e Gwyneth Paltrow, entre outros, e um remake algo falhado de The Wicker Man.

Nascido em 1963 em Detroit, no seio de uma família operária, LaBute era o mais novo de três irmãos, tendo a tempestuosa relação dos seus pais inspirado a sua obra In a Dark Dark House. O seu primeiro contacto com o teatro foi ainda no ensino secundário, onde começou a participar nos grupos de teatro escolar como actor e em que escrevia peças que depois apresentava aos professores sob pseudónimo na esperança de que estes quisessem encená-las.

Uma bolsa de estudo levou-o à Universidade Brigham Young, no Utah, onde conheceria o seu cúmplice de longa data, Aaron Eckhart, e se converteria à Igreja dos Santos dos Últimos Dias, embora, mais tarde, a sua peça Bash: Latter-Day Plays, onde se apresentam mórmones devotos a terem várias atitudes muito duvidosas, tenha levantado polémica no seio da sua igreja e levado ao seu afastamento. Posteriormente estudou Dramaturgia na Universidade de Nova Iorque, mas, mais uma vez, a sua atitude provocadora gerou inimizades e controvérsias.

Em 1997, com o dinheiro da indemnização que dois amigos tinham recebido por um acidente, aventura-se no seu primeiro filme. Com 25 000 dólares filmou In The Company of Men, sobre dois homens que se vingam das suas frustrações amorosas numa mulher surda. Com a película mais barata, fazendo a rodagem em locais gratuitos e com actores voluntários consegue filmar todas as sequências antes de ficar sem dinheiro e sem película. O filme é enviado ainda sem montagem para o Festival de Sundance e é aceite, o que permite a Labute obter financiamento adicional para acabar a montagem e distribuir o filme, que acaba por ser premiado naquele festival, entre aplausos, polémicas, acusações de misoginia e elogios de feminismo.

Corpulento, moreno, de óculos graduados e um ar eternamente cansado, não é preciso perspicácia para ver de onde surgem tantos textos polémicos e personagens dúbias. Cordial e prestável, é fácil detectar o sentido de humor acutilante que atenua uma honestidade e um prazer quase infantil de provocar o interlocutor. Neil Labute escreve histórias sobre pessoas normais que não conseguem esconder os seus piores impulsos, e essas histórias muitas vezes são inspiradas nas suas próprias experiências. Como em A Gorda, uma das suas obras mais recentes, onde um homem se envergonha de manter uma relação com uma mulher particularmente volumosa, e que foi escrita após uma tentativa de dieta falhada por parte do autor.

Agora, a sua obra mais recente, Reasons to be Pretty, está em estreia na ultra-comercial Broadway. Neil Labute parece algo preocupado com a reacção do público à ferocidade da sua escrita e das suas personagens. Mas parece pouco provável que este novo público concretize o que o espectador da sua primeira peça não teve pejo em proclamar.

Filmes que escreveu
- In the Company of Men (1997)
- Your Friends & Neighbors (1998)
- Tumble (2000)
- The Shape of Things (2003)

Peças de Teatro que escreveu
- Filthy Talk For Troubled Times (1992)
- In the Company of Men (1992)
- Bash: Latter-Day Plays (1999)
- The Shape of Things (2001)
- The Distance From Here (2002)
- The Mercy Seat (2002)
- Autobahn (2003)
- Fat Pig (2004)
- This Is How It Goes (2005)
- Some Girl(s) (2005)
- Wrecks (2005)
- In A Dark Dark House (2007)
- Reasons to be pretty (2008)

Alguns links recomendados
- Perfil no Yahoo Movies
- Página no IMDB
- Entrevista na revista Salon
- Entrevista na revista Bomb
- Artigo de Neil LaBute sobre o teatro americano
- Artigo de Neil LaBute sobre os títulos das suas obras

1. Além de trabalhar como tradutor e coordenador editorial, Jorge Palinhos publicou três peças de teatro, das quais duas foram premiadas com o Prémio Miguel Rovisco e o Prémio Manuel Deniz-Jacinto. Tem também escrito guiões para curtas-metragens de cinema de animação e de imagem real, algumas das quais foram já produzidas ou estão em fase de produção.

Índice: Revista#1

1. Pedro Marta Santos: ainda não somos uma profissão, somos uma perturbação neurótica
2. Nuno Markl: a comédia é um organismo vivo
3. Rui Vilhena: é preciso criar histórias com que as pessoas possam se identificar
4. António Ferreira: um guião é como uma lista de compras
5. Tiago Santos: como ganhar a vida numa profissão que não existe
6. Jorge Vaz Nande: devemos sempre olhar para a Nigéria
7. Perfil: Neil Labute – matem o dramaturgo
8. Dexter: o mundo ao contrário
9. My Blueberry Nights: o néon da paixão
10. Sex and the City: teorias e conspirações sobre a comédia romântica
11. The Servant: parasitas da alma

por Pedro Flores

Parasitas da Alma

Sobre «The Servant», de Joseph Losey e Harold Pinter

Reza a lenda que Joseph Losey foi ver The Caretaker em cena e impressionado com o talento do jovem Harold Pinter lhe escreveu a dar os parabéns. Dias mais tarde, o dramaturgo respondeu-lhe a agradecer a gentileza e a pedir trabalho. Foi assim, do acidental encontro entre um génio da palavra e um mestre da realização que surgiu The Servant, uma das obras-primas do cinema britânico. Adaptada ao grande ecrã a partir de um conto de Robin Maugham, o filme descreve os labirintos da relação entre um jovem aristocrata inglês – Tony (James Fox) e o seu criado Barrett (Dirk Bogarde).

Tony é um fidalgo do século vinte que regressa de um país africano para se estabelecer em Londres. Qual diletante ocioso, ele ocupa os dias a passear com a sua noiva Susan (Wendy Craig) e a projectar construir três cidades de raiz no meio da selva amazónica. Para lhe cuidar das tarefas domésticas, Tony contrata Barrett, um criado para todo o serviço, daqueles que espalham classe e antecipam os desejos do seu senhor. Barrett tem boas maneiras e sabe cozinhar, opina sobre a decoração da casa, traz o pequeno almoço à cama, e demolha os pés do patrão em água quente. Mais do que apenas um criado, Barrett é uma espécie de mãe ausente, a ama seca de um adulto ingénuo, incapaz e mimado. É o nascimento desta relação e o eclodir do triângulo Barrett – Tony – Susan que ocupam o primeiro acto deste filme.

Na verdade, cedo constatamos que Susan não partilha da admiração de Tony pelo criado. Porque razão? Porque Barrett, mesmo quando não solicitado, está sempre à espreita, atrás de cada porta, de espanador na mão pronto a servir. Susan sabe -ou pressente- que Barrett rapidamente adquiriu influência sobre o patrão e que terá de competir com ele pelo controle sobre Tony. A rivalidade cresce em surdina, Susan faz a vida negra ao criado e acaba por pedir ao noivo que o despeça. Porém, com o seu patético orgulho colonialista Tony defende sempre o seu Barrett: “He may be a servant, but he is still an human being.”

Este antagonismo entre Susan e Barrett traduz-se visualmente na luta pelo domínio da casa. No cinema, como na vida, a casa é tradicionalmente caracterizada como um território feminino. Porém, neste filme ela está habitada por dois homens e a entrada a uma mulher parece vedada: “The thought of some woman running aroung the house and telling me what to do, rather puts me off!”. Susan sabe-o – ou pressente-o – e por isso procura chamar a si todas as decisões domésticas, contra a vontade de Barrett. Esta é também uma batalha de egos, por isso, quando Susan e Barrett disputam ferozmente o lugar de uma jarra de flores, o que eles decidem é quem realmente detém o poder naquele território. De igual forma, ao mesmo tempo que Barrett vai ganhando ascendente sobre Tony os seus domínios na casa vão-se expandindo: inicialmente confinado à cozinha, o criado começa a usar a casa de banho do patrão até que termina a dormir com outra pessoa na sua cama.

Porque há um quarto vago na casa, o que permite a entrada em cena de um novo elemento. Sob o pretexto de precisar de apoio nas lides domésticas, Barret convence Tony a contratar uma criada – Vera (Sarah Miles) – apresentada ao patrão como sua respeitável irmã mas na verdade sua namorada. Ao contrário de Barrett, que mostra cultura e usa de gestos educados, Vera é apenas mais uma parola que chega à cidade. Porém, exibindo uma sensualidade que falta a Susan, o seu aparecimento despoleta o desejo de Tony, e desequilibra ainda mais a relação de forças a favor de Barrett. Deste modo, à partida para o segundo acto, o filme apresenta uma estrutura em quadrilátero que inclui vários triângulos: Barrett – Tony – Susan; Tony – Vera – Barret; e Vera – Tony – Susan. É em torno destes três triângulos e das suas dinâmicas de amor, ciúme e poder que a acção dramática se vai desenrolar.

Como vimos, estas quatro personagens pertencem a dois universos sociais antagónicos – a aristocracia e o povo – que se encontram nesta casa e colidem dramaticamente. O que está em causa é muitas vezes a educação, as virtudes, o sangue: é portanto ainda uma questão de classe. Nesse sentido, The Servant serve também como retrato de uma aristocracia decadente e de uma estrutura social britânica em mutação mas ainda extremamente hierarquizada. Poder-se-ia pensar que estamos perante o típico filme britânico de crítica ao establishment e louvor das classes desfavorecidas, na linha de um “kitchen sink drama” ou do realismo social de Ken Loach. Porém, neste filme ambas as personagens do povo surgem com traços pouco aprazíveis: Vera é caracterizada como tonta e vulgar, e Barrett como uma pessoa falsa, grosseira e manipuladora – os antípodas de um working class hero. Quer dizer, The Servant prefere a caracterização realista do indivíduo à idealização da luta de classes. Este não é um tempo para heróis, nem nas classes mais desfavorecidas.

Na verdade, o que realmente interessa a Pinter é o estudo da linguagem das relações, dos jogos em que os humanos se envolvem. Em particular, dos jogos de poder, esses que determinam a supremacia de um humano sobre outro e que se escondem em cada gesto ou palavra nossa. Quem fica de pé e quem fica sentado, quem fala em primeiro ou último lugar, quem olha em picado ou em contra-picado, não são questões de pormenor em The Servant: é a essência do filme. É para mostrar o seu poder que Barrett trata a namorada como um cachorro, chama por ela ao assobio e dá-lhe palmadas no lombo. É para usufruir de supremacia que Tony se coloca no topo da escadaria quando joga à bola com Barrett. É para sublinhar o seu domínio que Susan esbofeteia Barrett na cara. Quer dizer, a cada encontro de personagens jogam-se braços-de-ferro imprevisíveis, e é essa indeterminação que confere dinamismo às cenas e à história.

Aliás, estes jogos de poder são magnificamente explorados pela mise-en-scéne. A preferência por planos longos faz com que as cenas surjam cuidadosamente coreografadas, quer em profundidade quer pelo movimento de câmara. Assim, usa-se a profundidade de campo de modo a que diferentes personagens tenham diferentes escalas no plano e essas escalas evoluam de acordo com a dinâmica da cena. Quem está em primeiro plano e quem está em fundo traduz um jogo de poder, e coloca a ênfase na relação – e não no individuo. Do mesmo modo, a profundidade de campo permite também inscrever as personagens neste espaço claustrofóbico e fechado como um palco de onde parece impossível fugir.

Em Pinter, os jogos de poder ganham-se ou perdem-se através da palavra. Invariavelmente, as suas personagens elogiam, obedecem, criticam, seduzem com uma agenda oculta, uma segunda intenção. Aqui as cenas começam in media res, com os dados já lançados, e as palavras significam sempre aquilo e outra coisa, um desconhecido que o espectador – tal como o interlocutor – tem de descortinar paulatinamente. Assim, em cada cena o que está em jogo – o subtexto – está encoberto por hesitações, double-entendres, ou frases inconsequentes que disfarçam a verdadeira intenção da personagem. Estamos pois no reino do disfarce, da mentira fácil e da manipulação, e este é um jogo em que todos participam.

De facto, o declínio deste anti-herói aristocrata parte justamente de uma estratégia de manipulação. Um plano cuidadosamente urdido por Barrett faz com Tony se encontre à noite sozinho em casa com Vera. Numa cena de memorável tensão, Vera surge de mini-saia e pés descalços na cozinha a seduzir o patrão, enquanto gotas de água caem na banca e o telefone toca sem parar. A partir deste momento, Tony passa a estar demasiado ocupado para a noiva e a entregar-se a tempo inteiro à jovem criada (e às bebidas alcoólicas). É justamente aqui que principia a decadência de Tony e se começa a inverter a relação de poder entre senhor e criado.

Em geral, estes momentos de sedução caracterizam-se pelo engenho e discrição com que são apresentados. Durante o cinema clássico o sexo era imagem tabu pelo que os realizadores e guionistas tinham de recorrer à metáfora para comunicarem momentos de intimidade. O champagne que borbulha nos flutes, o fumo insinuante dos cigarros, o calor ardente da lareira, são alguns dos elementos clássicos de que The Servant se serve com alguma originalidade. Porém, o que distingue este filme da generalidade é justamente a sexualização de objectos aparentemente inócuos, como relógios de parede, espelhos convexos ou torneiras de cozinha. Reprimido ou ausente nas personagens, o desejo insinua-se nas objectos comuns e espalha-se a toda a casa. Do mesmo modo, a paisagem sonora, quer através de efeitos em fora de campo, quer através do jazz quente da canção “Now while I love you alone”, promove uma atmosfera de vício e sensualidade.

Esta decadência agudiza-se sobremaneira depois de Tony despedir Barrett e ficar isolado na mansão. Numa cena de antologia – em que o espectador apenas vê a sombra de Barrett e ouve diálogos em off – o patrão encontra o criado na sua cama com a sua suposta “irmã” e confronta-o com o crime de lesa-majestade. É a partir deste momento que compreendemos a real importância de Barrett na casa. A louça imunda na banca, a correspondência por abrir, as flores que murcham na jarra sinalizam a sua ausência e o vazio que deixou. Sem Barrett, Tony não tem capacidades para cuidar de si e é confrontado com essa mesma dependência. Um vinculo que era exclusivamente laboral, rapidamente se tornou numa necessidade e num laço afectivo vital. Esta relação de dependência é magnificamente ilustrada pela cena em que Tony entra no quarto de Vera e se agarra aos seus lençóis, desesperadamente só.

Dias mais tarde, Barrett encontra Tony num pub e consegue convencer o patrão a aceitá-lo de volta. Porém, depois do que ambos disseram e presenciaram, a sua relação só podia estar diferente. Por vezes há uma intimidade mais pronunciada, quase de casal, em que se conversa sobre a elaboração do jantar ou se discute a arrumação da casa. Outras vezes estabelecem-se brincadeiras de adolescentes, em que os dois jogam às escondidas a ameaçar: “You’ve got a guilty secret!” Outras ainda, há comportamentos sado-masoquistas como o patrão a obrigar o criado a limpar o chão enquanto lhe chama parolo. Assim, fomentados pelo seu isolamento do mundo, cria-se aos poucos um ambiente de tensão sexual entre os dois, em que o que excita é a também a relação de poder. Nesta atmosfera homoerótica, o desespero sexual de Tony revela-se patético e comovente, e Barrett, mais uma vez, explora esse facto em favor do seu domínio sobre o outro.

Este é pois um filme sobre a queda de um jovem aristocrata na ruína moral. Sobre uma descida aos infernos em que o cicerone vai corrompendo as almas no caminho. Sobre a inversão de uma relação de poder até ao domínio absoluto do criado sobre o patrão. Na última cena, Barrett organiza uma orgia para oferecer a Tony, com mulheres de riso felliniano, câmaras fotográficas que disparam flashes e música embriagante. Depois da entrega a uma devassidão sem regras, a festa termina simbolicamente com o criado a subir ao primeiro andar e o senhor a arrastar-se pelo soalho como um bicho. Quer dizer, o jovem aristocrata vê-se agora reduzido a uma criatura inútil, viciada no álcool e impotente face aos desafios da vida. Como num filme de terror, o monstro é também o melhor amigo e a vitima é tão culpada quanto o carrasco. Como num documentário de natureza, o humano é aqui retratado como um ser dependente do outro, dominado pela agressão e pelo desejo, como um parasita da alma.

Trailer: